而立之年可以是人生中的一大轉捩點，它既可以是一種面對轉變的時機，卻也是迷惘的時間點。在Lin Manuel Miranda的《倒數時刻》中，Johnny Larson在三十歲之前的創作焦慮成了貫穿故事的核心，雖說Joachim Trier的《世界上最爛的人》並非以而立之年為命題，但它的章節式分段卻彷彿人生中看似瑣碎卻至關重要的轉變關鍵。 從《愛重奏》開始，Joachim Trier的奧斯陸三部曲皆以「迷茫」展現生命的振作與萎靡，最為冷冽的《八月三十一日，我在奧斯陸》是頹廢氣息的極致、《愛重奏》則是創作者在自我和愛情間的掙扎，到了《世界上最爛的人》中，它既揉合愛情、創作、自我實現，更是如捲軸般的以Julie一角將現今年輕人的縮影融合在這些章節中。 從《序》以簡易的手法引出Julie面對理想的難以捉摸，面對一個個愛人從眼前錯過或不愛的時機，到了《其他人》中雖遇上愛人Aksel但卻碰上了是否該有小孩的初次焦慮，導演Joachim Trier用著輕柔的筆觸將諸多年輕人的成長焦慮一一從Julie的人格特質中勾勒出來，卻也不過於沉重的放下，而是在章節結束後一次次黑幕使人沉澱。 到了《偷吃》、《錯的時間點》更是締造數個屬於這個故事的魔幻時刻，僅是抽煙、或是短短的從城市高處眺望奧斯陸的面貌都萌生憧憬的念頭，有如《消失的情人節》那時間停滯的短短剎那，Joachim Trier讓觀眾看見Julie和Eivind以最為奔放與輕盈的姿態徜徉在奧斯陸的大地上。 而《陽性》和《一切都有終點》將過去的遺憾、悔恨構成了Julie在面對擁有孩子，卻又在失去孩子時透露出的模樣，Aksel在面對死亡的樣子則是他對生活漸漸的失去熱忱，一切的一切拼湊成現實的樣子。「妳就是他媽的非常好的人」，他這麼說著，對自我肯定的同時卻也要面臨接下來的未來，此時此刻的過去儼然以成為記憶中的吉光片羽，「世界上最爛的人」其實可以誰都不是，卻也可以是我們每個人，它映照出的是在真實與理想、相愛與離去之間掙扎的面貌。 《世界上最爛的人》承載著當代社會的重量，是Joachim Trier從《愛重奏》那個面對創作焦慮的新銳導演至今成為內斂沉穩的創作者的生涯集大成。Anders Danielsen Lie是他影像之下一同成長的縮影，到了三部曲終章，少的是冷冽鬱悶的模樣，多的是一股微弱的希望，照耀在奧斯陸的海上，在那一抹夕陽餘暉中，望著這一切在這裡畫下一個休止符。 「你能看《熱天午後》多少次？」我想，十年、二十年後的電影中，《世界上最爛的人》將會成為其討論的對象，因為它留下的不單單只是如《八月三十一日，我在奧斯陸》那樣某個時間點的當下，而是生命的永恆。
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「電影分級注意到，囝仔就袂罵罵號。」在「電影分級制度嚴明」的現代戲院規定之下，這句標語早已深深地烙印在影迷的腦海裡。有意思的是，《法貝爾曼》中小山米所見的第一場永難忘懷的夢（電影），就被高速迎來的火車撞得魂飛魄散（《戲中之王》），走出戲院的他仍驚魂未定，母親詢問他喜歡片中的哪個橋段，他依然無法言語。這一幕確實讓我充分理解了「分級制度」的重要性。那些無法被孩子們消化的場面，成為足以影響他們人生的惡夢。矛盾的是，小山米為了直面這份恐懼，他組建起玩具萊納火車試圖重現這場戲。山米的執念像是火車頭的大燈貫通了腦門，成為他對於「電影藝術」的啟蒙（打光），惡夢旋即化身成美夢，而且是能夠被鏡頭捕捉下來的美夢。山米開始拍攝家庭的紀錄影像，妹妹們成了他戲裡的主要演員，他因此愛上了拍戲、愛上了導戲。試想本片自傳主人翁的史蒂芬史匹柏，若當年被「分級制度」給擋在戲院門口，或許也不會投入影像的懷抱成為電影大師，那麼「分級制度」是否也正阻礙了某位電影奇才的降生呢？《法貝爾曼》所描繪的正是山米前半生的阻礙與成長，經歷波洛斯舅公所說的「藝術與家庭之間的拉扯」。更精準的說，山米自認為必須在父親與母親間進行選擇。父親擁有天才般的工程師頭腦，他追求的是對社會具有直接貢獻的「實物」，因此才會將山米「拍電影」當成無法長久的「嗜好」，甚至當成是安撫母親憂鬱的「工具」。父親對於山米的期許是一路順遂考過的「駕照」。事實上，山米駕駛的路程卻相當顛簸，同儕對他「貝果曼」的欺侮與嘲弄，發現母親有出軌念頭的錯愕與排拒。這份藏在影像裡「違背道德」的情感，成了山米不願接受自己與母親相像的主因。母親具備藝術家的氣質與豐沛多變的情感，放棄成為鋼琴家的夢想投身家庭。然而，面對如此完美善良的丈夫，她才無法將真實的想法說出口。心思細膩的山米注意到母親的表情和舉動，放大檢視細節才看出了端倪。好似戳開了譜上的洞，想要映照出完美母親閃爍的光，卻意外看見了她的影子，母親其實一點都不完美。透著光的連身裙擺動揚起了沙塵，母親跳給丈夫也跳給所愛之人。蜜雪兒威廉絲賦予了該角色的情感，剪去了指尖的銳利，張弛有度的演出像在彈奏音樂，確實值得一座「女主角獎」。從「露營影像」我們看見了山米對母親的關愛，他所拍攝的「戰爭電影」則是對父親的敬畏，兩者都是滋養他茁壯的養分。山米好似母親環抱搖動的小樹，又怎能輕易被挖出土壤外？他接受了這份不可分割的連繫。因此，也能理解父母最終「分離」的決定，父親的哀傷躲在了陰影之下，母親則獲得了自己親口說出的「原諒」。《法貝爾曼》展現導演生命裡「無處藏身」的「痛」，舅公拉扯耳朵留下的疼感，高中惡霸揍向鼻子的拳頭，甚至是母親唯一一次打在背部的掌印，這些「痛感」使人落淚也令人銘記。追求藝術未必得捨棄家庭，重拾攝影機中家庭與成長的苦痛，這些都是他往後創作的重要元素。「凡事都有原因」母親的話語留在了心中，成了他對電影的堅持，想創造一個別於現實既安全又快樂的世界。這個世界裡，我們不只會聽見悲嘆的低音與下降的音符，也能夠聽見逐漸抬升的主旋律。史匹柏讓這群角色走上了記憶的戰場，看著父母親友在記憶片段裡被抱起而離去，他並沒有沈浸在「下決定」的悲傷裡頭，而是獨自堅定地走向了地平線的盡頭。🎶延伸聽歌： #甜約翰 《#敏感話題 》
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我是你夜裡的太陽，也是你影子裡的悲傷「塗抹」的動作不僅蘊含著愛意，也展現一名父親對女兒的保護慾，整部片中卡倫一再為蘇菲塗上防曬乳，不留一絲空隙讓陌生人接近，甚至還教她抽走手的防身術，怕的就是女兒受到與自己同等的傷害（斷手或是肩上無故的傷疤）。當他們回到房間，才小心翼翼擦去彼此臉上殘留的乳液，父親才終於卸下了責任與焦慮，放心讓女兒錄影紀錄下這一切。然而，渴望「獨立」的蘇菲，某次竟回絕了父親幫忙擦防曬乳的舉動，自己動手才發現她一人是無法塗到後背的，也象徵了父女間無法輕易抹去的情感，意識到這一層意涵的蘇菲，轉而為父親寬大的後背塗上泥巴，一起共享池子裡的泥巴浴。即使沖掉了肩上的泥水，蘇菲仍無法全然明白父親所肩負的重量，因此，她才打開了這段兒時到土耳其度假的回憶影像，試著從中尋找父親的輪廓。父親的抑鬱隱隱地藏在了影像的縫隙間。在陽台抽著菸晃動的身軀，直至凌晨3:08才得以安心睡去，忘不了的卻是他站在欄杆上隨時會跳下去的那一幕，又好似乘上了空中的滑翔翼，卻始終找不到自己的落腳處。「離開了長大的地方，你就不屬於那裏了。」缺乏歸屬感的父親，對女兒提出誠心的忠告，11歲的她仍有時間去覓得一個「家」。回到了電影開頭女兒向父親的提問，11歲時的他有想過未來會如何？卡倫陷入沈默無法回應，只說了自己被父母親遺忘的11歲生日，得到的只是一個紅色的玩具電話，卡倫從未想過自己能活到女兒開玩笑的130歲，或是回到故鄉接手家庭事業的40歲，因為光是能活到30歲就已充滿阻礙，因此，卡倫才會暗自抗拒「生日」的到來，在慶生的前一晚卻毫無興奮之情，甚至直接拒絕與蘇菲上台合唱。片中也藏著許多對「死亡」的暗示，無論是卡倫強行穿過大馬路被按的喇叭聲，或是深夜獨自走向海浪中的噗通聲，甚至是沒有證照仍要進行水肺浮潛的舉動，就連片中他說著埃及艷后被毒蛇咬傷的歷史故事，也能聯想到「自殺」之舉，這些或許都提示了「父親已經逝去」的現實。他內心難以吐露的感受，就像與女兒度過完美的一日，回到房間只想靜一靜，止不住的疲憊來襲，彷彿將自己拉進了床底，躺入那張擁有自己故事的地毯中。就算讓女兒學著自己打太極拳，也無法抑制這份傷感。他同樣無法擺脫「沒有錢」的生活狀態，無法選擇更高級的渡假飯店（整修中）而懷著歉意，沒能拾回昂貴的潛水面罩而難掩失落，在戶外餐廳享受一頓晚餐卻付不出錢選擇逃跑，抑或是隨手撿起路人剛丟下未熄滅的煙蒂抽上一口。他開不成夢想中的咖啡館，仍想給女兒一個漆滿黃色的房間，換來的卻是女兒「沒有錢就不要打腫臉充胖子」的氣話。直至女兒戴上了能夠無限暢飲的黃色手鍊，她才明白父親所苦惱的金錢問題一直都存在著，是無法賺錢的她無權批評的，進而主動向父親道歉和解。那條黃色手鍊也成了蘇菲成長的印記。她不願聽從父親的建議，認識泳池邊同年齡的女孩們，而是選擇偷窺鑰匙孔裡少女姊姊們發生性事的秘密，觀察著青少年異性戀愛的相處模式，自己則對玩賽車的男孩有了好感，意外獲得的一吻成了她對性的啟蒙，蘇菲同時也看見了躲在門後的同性之吻，理解到超乎性向的愛的可能，因此，我們才會看到躺在蘇菲床邊的女性伴侶。陽光下過度曝曬忘卻了流逝的時間，直至夜晚降臨才能讓他們的合照緩慢地顯影，因而記下父女共持過的美好日子，《日麗》帶給觀眾私密中的真切，無法輕易忘懷的溫暖，情感也在導演成熟的敘事中昇華。那顆高掛的懸日就如同脆弱的父親，與父親揮手道別後的日子也有所不同，父女因著「共享同一片天空」的理念，即使分隔兩地依然能向對方傾吐。當蘇菲成長到父親當年的歲數，回放這些影像片段，才察覺父親那時或許想得到女兒的救贖，去深深擁抱在黑暗中獨舞的他，那個會永遠愛著她的父親才能安然離去。”We know the perfect place. “能永遠留在此處的地方，或許就是《日麗》了吧！🎶延伸聽歌： 陳綺貞 《太陽》
Read more我們不說破的關係，很微妙卻不是愛情報喪女妖（女巫）預言的兩名死者，直覺聯想是莫名決裂的康姆與派瑞，兩名好友展現「斷交」的決心，具現化成為「斷指」的驚悚場面，沒想到「死亡」並未降臨在他們身上，而是落在了惹全村人厭惡的多明尼以及派瑞豢養的小驢珍妮身上。不擅言詞的多明尼背負了警察父親家暴的傷痕，他扭曲怪異的行為也因此合理了許多，至於脖子上掛著鈴鐺的珍妮，總是被派瑞的姊姊詩凡趕出家門，不準牲畜與人類同在一個屋簷下，牠又是何其無辜，他們的死皆是鬥爭導致的悲劇後果。「音樂能長久，好心也可以。」康姆不再親近派瑞的原因，出於自身對於偉大夢想的追求，他想在往後的人生寫出一首能被傳頌百年的歌曲，想到聽了派瑞兩小時無意義的閒聊感到浪費時間，然而，對於這位「樂天開朗」的派瑞而言，摯友願意傾聽自己訴說已是好意，他追求的是當下滿足的感受，對比已經放眼未來的康姆，一段友誼確實能成為一段佳話，一首民謠曲也有機會流芳百世，因此，兩個人各執一詞的觀點確實都說得通，只是其中一方無法放下曾經連結起的關係，才會導致這剪不斷只好剪手指的窘境。全片以男性視角體現了「內戰」的荒謬，對岸時不時展開的砲火，以為遠到無法參與，其實近得足以在兩名好友之間發生。男人們「無趣」的爭執，看在姊姊詩凡眼中實在荒謬，明明只要把話說清楚就好，弟弟依舊聽不進耳裡，一再騷擾「前」好友的舉動顯得幼稚。詩凡一方面獲得了本島工作感到欣喜，一方面放不下弟弟獨自一人生活，被那股深埋於心的糾結所拉扯，讓她差一點就沉入水中投入死亡的懷抱，想不到多明尼怪異卻異常真誠的告白，讓詩凡打消了這個念頭。她更在康姆砍斷左手五指時徹底醒悟，決定與弟弟告別去到本島定居，向著站在崖邊的弟弟揮手，看到了女巫時卻露出驚恐的表情，這份擔憂懼怕是躲在石牆後也避不開的，凱莉肯頓別於戲中男性角色外顯而情緒化的演出，她則是展現了閱讀書籍累積起的內涵，既聰明又明白事理，「你都不會寂寞嗎？」還帶了點負面思考的悲觀色彩，她的「選擇」是離開了近親間傷感情的戰爭，投身另一場無情的戰場。這座幻想中的「伊尼舍林」島嶼，即是愛爾蘭歷史過往的化身，兩點相約酒吧的鐘聲竟讓女妖帶來了死亡，酗酒也無法阻止分化的階級意識與分割的友情小船，被礁岩暗藏的浪打翻。馬丁麥多納總能透過電影帶出富含省思的哲理，欽佩他將這天才般的劇本形象化，但也相對難與觀眾產生共鳴（畢竟誰沒事會這樣做）。攝影展現了整座島的壯闊美景，也讓兩人最後「分手」的海灘戲增添惆悵感。於我而言，忘不了的卻是康姆和狗狗跳探戈的慶賀，以及派瑞蹲下身餵養小驢的溫柔。他們引發這一切又怎麼能釋懷呢？也許哪一天想起，他們都已忘記了整個事發的源頭，只記得過程中結下的仇與怨，如熊熊的火焰在平和中燃燒著。🎶延伸聽歌： alin 《摯友》
Read more以史蒂芬史匹柏導演的人生經歷為藍本，聚焦於家庭對他的影響，以及如何燃起對電影的熱情及追求。 ✅導演的半自傳故事 劇中親情的成份，出自於導演自身的投射，所以顯得私密且真摯，並坦白地挖掘出埋藏多年的家庭祕密，雖然不免感到有些殘酷，卻也包裹著溫暖的環節。儘管他的家庭出現了裂痕，不論是母親出軌、父母離婚，還有對父親的不解，然而這一切都成為他電影創作的養分、交織生命的璀璨。我們可以看到導演過去的作品，諸如《E.T.外星人》、《辛德勒的名單》、《A.I.人工智慧》等電影，都深受其原生家庭的背景，並影響劇中的角色塑造和情感層面。 ✅對電影的熱愛和追逐 之所以愛上電影，其實是源自於他們一家人去看的一場電影《戲王之王》，當中火車撞車的情節令他難以忘懷。之後在母親的建議下用父親的攝影機，拍下火車玩具相撞的畫面，自此以後「拍攝」成了他畢生的熱忱。這是他第一部拍攝的短片，雖然陽春，卻是他的啟蒙之作。劇中有一幕別具意涵，小男孩在房間放映自己拍攝的電影時，用手掌作為投影的螢幕，象徵著用自己的雙手捧著夢想的意境，深刻地體會到「電影」是他一生的夢。同時，電影也是陪伴他走過各個成長難關的精神寄託，這樣的故事，更是乘載了所有電影人的心情。 ✅恰如其分的演員表現 除了蓋布瑞拉貝爾(Gabriel LaBelle)飾演的主角清新又自然，飾演主角母親的蜜雪兒威廉絲(Michelle Williams)也令人驚艷於能詮釋這位充滿童心、帶點古怪，但又莫名帶著仙氣，更是影響主角勇於追夢的重要人物。雖然故事是以平順如流水帳的方式敘述，劇中也沒有戲劇化的發展或轉折，但不乏也有令人莫名動心的橋段，演員們恰如其分的表現，為自傳類型的劇本增添不少可看之處，並體會人物背後的情感。導演：史蒂芬史匹柏(Steven Spielberg)演員：蜜雪兒威廉斯、加布里埃爾拉貝爾、賈德赫西、塞斯羅根、保羅迪諾（圖／翻攝自IMDB、環球影業之公開發布劇照）
Read more★入圍金球獎戲劇類最佳男主角，橫掃全球近百項大獎入圍！✅精湛動人的演技 布蘭登費雪(Brendan Fraser)顛覆了過往動作明星的形象，因傷退出大銀幕許久後，演技不但不生疏，還奉獻出他生涯中的最大突破。因為全片的故事主要聚焦於室內空間，所以劇情的帶動相當仰賴演員的表現，不過他僅用表情和眼神，就將一個絕望之人的神情和情緒演繹得絲絲入扣。用充滿故事的雙眼，字字句句道出具情感重量的台詞，哪怕只有坐在沙發上，也能把人物的心境深深地打入觀眾心坎裡，感受角色深刻的絕望和愧疚。✅視覺衝擊和配樂 主角查理歷經打擊而暴飲暴食，導致最後擁有重達272公斤的臃腫身體。這樣的視覺衝擊令人印象深刻，而為了形塑有說服力的角色，布蘭登費雪不僅真實地去增重，每天拍攝前還要花上6小時化妝，穿上重達300磅的特殊義肢，讓角色的形象及視覺效果增添了許多說服力。此外，電影的配樂也有畫龍點睛的效果，巧妙地與人物心境貼合；再加上真摯的台詞，使得角色的情緒和想法飽滿於話語之中，令人感到真實又親切。✅觸動心弦的劇情 主角因為愛人死亡讓他悲痛不已，雖然他看似放棄了人生、封閉了自我，但卻對周遭的人充滿善念和樂觀；如此看似矛盾的情緒，在反覆咀嚼劇情後才能理解這是很真實的人性。劇情強而有力且觸動心弦，片尾則獻出令人潸然淚下的一幕。女兒朗誦兒時寫的字句，從中找回自我；主角則是奮力從痛苦的泥淖中爬起、邁向陽光，然後完成了自己的心願。最終，兩人都在最後的時光裡獲得心靈上的救贖，父女之間獲得最真誠的共鳴，令人熱淚盈眶。✅挖掘人心的深處 導演Darren Aronofsky曾執導過《噩夢輓歌》《黑天鵝》等作品，他總是透過電影來探索角色的內心深處，尤其是埋藏於黑暗之中、背負傷痕走向毀滅的心理。而這部也是深度挖掘人性，試圖了解那些內心充滿愧疚，也不想獲得原諒的人，讓角色用暴飲暴食迎來生命終點，探究破碎的靈魂。背後也反思人類社會和宗教神學，或說「判定事物正確與否」的本質，為作品構築一定的厚度和探討空間，甚至增添了些許哲學色彩並產生共感。結語 這部關於拯救和救贖的故事，敲擊觀眾的內心深處。即便全片主要只有室內的場景，但是厚實的人物故事，加上布蘭登費雪精湛的演技，就足以將情感張力彰顯開來。除了出色的文本，恰到好處的配樂、寫實的化妝及義肢，以及簡單卻深刻的台詞，都豐富了電影的呈現。導演也藉此挖掘人的內心深處，還有對於宗教、社會的探討，為作品構築更多厚度及內涵。而結局的處理絕妙且動人，牽動著觀眾的心，強大的情感共鳴能逼出你我的淚水。 -導演：戴倫艾洛諾夫斯基演員：布蘭登費雪、莎蒂辛克、泰新普金斯、周洪、珊曼莎摩頓（圖／翻攝自IMDB、車庫娛樂之公開發布劇照）
Read more不願過多與他人談論《我的鯨魚老爸》帶來的震撼，總覺得怎麼說都不及當時積聚在眼眶的淚水來得直接、動人。男主角查理因同性伴侶死後染上肥胖症，曾為了愛情拋妻棄女的他，在臨死前，他只想再與女兒理解彼此多一些。整部片在影像的執行是困難的，從空間場景、角色形體、內心情感都是巨大而疏離的，明明觀眾和行動不便、身形如鯨的查理一起困在家中，那份無形的壓迫卻讓胸口漫著心疼，他的無語和憂傷都撕裂了每分每秒，原來深海裡的世界只有幽暗，透不進一絲情愛。你在深海寂寞了如此之久嗎？某些在夜裡無以名狀的碎片在查理眼中，拾獲了。陽光無法照看的一隅，查理的過往與倒數的生命紛紛浮現：短暫人生曾經好好愛過一回的幸運、關於一名父親在女兒的文字中，讀到傷痛，而想要彌補對方的奮力一搏，那些關於人與人的交往，偶然綻放的溫暖火花，也關於信仰撕裂人心，卻也在最後一刻帶來救贖的可能性。隨著查理一次次的詢問：「這（宗教）對你有何用？你真的相信嗎？它幫助了你什麼？」他試圖從答案裡解放過去的自己與愛人，找到一個能讓心中的鯨魚通過的窄道。看似反宗教，其實是透過人類狹隘的心性，去重新定義宗教（愛）的力量。彼時，他不再是擱淺沙灘的鯨魚，離了水便無法呼吸。在女兒也同樣對生命感到孤獨困惑的文章以後，查理以顫顫巍巍的腳步，終於是人型的姿態，走向女兒，走向他真正的歸途。沒有人能拯救另一個人，因為能使我們感到救贖的，往往是自己所給予的，是用盡氣力的愛、不經意的愛、無條件支持的愛。 儘管查理在暗到不見五指的深海悲鳴了一生，他的信念卻是無悔無塵的。
Read more契軻夫的劇作《凡尼亞舅舅》是個關於嫉妒與愛的故事，關乎成就與庸才、村上春樹的《沒有女人的男人們》既是關於失落的靈魂，也是關於那些渴望陪伴的寄託，僅有50頁出頭的第一篇《Drive My Car》在濱口竜介的筆下延展成了如史詩一般的三小時篇幅，沿用了村上春樹的骨架，將《凡尼亞舅舅》替短小精悍的原著伸展出了枝葉，再從《雪哈拉沙德》和《木野》汲取了養分，鑄成一次高難度的文學改編。 濱口竜介從《歡樂時光》、《睡著也好醒來也罷》到《偶然與想像》，其自然和魔幻早已成了濱口的金字招牌，但《在車上》在我看來雖少了一點「濱口魔法」的點綴，卻在村上春樹和契軻夫的文學框架下，展現出在多個文本之中靈魂的掌握度，雖是匠氣但卻不做作，宛若是鍋慢火燉煮、不過濃郁，清淡有餘的雞湯，在適逢困境時澆灌在這條由紅色SAAB所駛出的道路上。 《在車上》其文本豐厚程度無疑是濱口竜介的一次集大成，有著無可否認那慧黠的對白，在電影中一次次和《凡尼亞舅舅》產生互文和連結，如此戲中戲和多國演員的整體演出之下，卻依然產生表面平靜但底下的情感波濤洶湧之感覺，溝通與溝通之間，打破了語言的隔閡，一種屬於靈魂與靈魂之間的彼此感應，不言而喻的連結性，是孤獨、亦是渴望，又或是帶點悲傷與罪惡。 一支支家福和美沙紀點起的菸，或許是來自於彼此在承載記憶和過去的重量逐漸壓垮自己的一抹解脫，家福承受著對妻子的不理解、對那前世是八目鰻那一次次闖入男孩家裡的女孩所擁有的不解，美沙紀對母親所鞭策她、卻有著愛著她的人格的不諒解，在無數的夜晚中，一趟趟安穩的車程中，建立起的羈絆便是讓彼此生命疏通的路程，終點則是一場雪地中的擁抱。家福和高槻，兩個在《凡尼亞舅舅》中擔任主角的演員，在小說鍾僅是配角的高槻此處彷彿家福的鏡像，有著一部分對妻子的故事、彼此對音所擁有的仰慕與愛，都將在舞台上扛下這個在卡帶中所留白的責任，但高槻的自尊心讓他在最後一次扛起凡尼亞舅舅時，繳出了嘔心瀝血的表演，卻無法留在正式公演，濱口竜介終究讓家福再這趟旅程中回到這個舞台、讓索妮亞在台上靜靜地用手語打出妻子在卡帶中留下的最終足跡。卸下了陪伴人生已久的方向盤，抽離了凡尼亞舅舅的家福將紅色SAAB傳承給了那個唯一能夠和他一樣駕馭這台車的美沙紀，一段懲罰自我的贖罪之路結束，一次次怪罪自我的過去已死去，這個有如女兒一般的角色，就抹去了過去的傷痕，開啟下一段未知的前程。
Read more相信大家心中都有幾部必看電影清單，有些是因為演員演技出色，有些是電影情節的安排出色。電影情節符合時事和生活時，讓我們在看電影的同時反思自己，甚至會想一看再想看！ 82年生的金智英 Kim Ji Young Born 1982 《82年生的金智英》登上亞洲多國暢銷排行榜，然而，在韓國伴隨《82年生的金智英》的不是檢討，而是變本加厲的惡意攻擊！ 34歲的金智英，有一個深愛她的丈夫和一個可愛的女兒。生活幸福美滿，她卻在某天突然「病了」！她時常用已故的母親或學姊的口吻，說著那些她未曾說過的心裡話。爲了育兒離開職場的金智英，難得空閒的片刻，拉着娃娃車去公園喝咖啡。沒想到一旁閒聊的上班族男子，卻訕笑她是拿老公上班錢享受的「媽蟲」。 「媽蟲」是泛指家庭主婦每天只需煮飯、照顧孩子，花著丈夫的血汗錢就能優雅地過生活，在看《82年生的金智英》之前，你或許也有相同的刻板印象。關於母親的夢想、關於「媽蟲」的謔稱、關於職場性騷擾，在每個細節都能令人瞬間淚崩！ 當這一切一切的悲傷都被視為理所當然，已經沒有人敢再控訴這個社會的性別不平等。 這或許也是《82年生的金智英》電影版，男性諸多角色設定改編得更加包容、溫暖的原因。「我以為我都知道」的台詞提醒著極端激烈的言論之外，還存在道不盡歉疚的男性。這不是性別對決，而是家人的故事，也希望這部電影能讓每個人找回同理與勇氣！ 寄生上流 Parasite 本片榮獲眾多提名及得獎，在2020奧斯卡一舉拿下了最佳影片、最佳導演、最佳原創劇本和最佳國際電影4項大獎。這不僅是韓國影史上的第一座小金人，也重寫了奧斯卡百年歷史，豈能錯過！ 雖然台灣翻譯成《寄生上流》多了一絲意境，但導演取的片名其實是《寄生蟲》（Parasite）。
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